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Zusammenfassung des Surrealismus

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30. June 201915. July 2019

Die Surrealisten versuchten, das Unbewusste zu kanalisieren, um die Kraft der Phantasie zu entfalten. Die Surrealisten verachteten Rationalismus und literarischen Realismus und glaubten, dass der rationale Verstand die Macht der Phantasie unterdrückte und sie mit Tabus beschwerte. Unter dem Einfluss von Karl Marx hofften sie, dass die Psyche die Kraft hätte, die Widersprüche im Alltag aufzudecken und die Revolution anzuregen. Ihre Betonung der Kraft der persönlichen Vorstellungskraft bringt sie in die Tradition der Romantik, aber im Gegensatz zu ihren Vorfahren glaubten sie, dass Offenbarungen auf der Straße und im Alltag zu finden seien. Der surrealistische Impuls, das Unterbewusstsein und sein Interesse an Mythos und Primitivismus zu erschließen, prägte viele spätere Bewegungen, und der Stil bleibt bis heute prägend.

Wichtige Ideen

André Breton definierte den Surrealismus als “psychischen Automatismus in seinem reinen Zustand, mit dem man vorschlägt, – mündlich, durch das geschriebene Wort oder auf andere Weise – das eigentliche Funktionieren des Denkens auszudrücken”. Was Breton vorschlägt, ist, dass Künstler die Vernunft und Rationalität umgehen, indem sie auf ihr Unterbewusstsein zugreifen. In der Praxis wurden diese Techniken als Automatismus oder automatisches Schreiben bekannt, was es Künstlern ermöglichte, auf bewusstes Denken zu verzichten und den Zufall bei der Kunstschaffung zu nutzen.

Das Werk von Sigmund Freud war für die Surrealisten von großer Bedeutung, insbesondere sein Buch The Interpretation of Dreams (1899). Freud legitimierte die Bedeutung von Träumen und Unbewusstem als gültige Offenbarungen menschlicher Emotionen und Wünsche; seine Offenlegung der komplexen und verdrängten inneren Welten von Sexualität, Begehren und Gewalt lieferte eine theoretische Grundlage für einen Großteil des Surrealismus.

Surrealistische Bilder sind wahrscheinlich das erkennbarste Element der Bewegung, aber sie sind auch am schwersten zu kategorisieren und zu definieren. Jeder Künstler verließ sich auf seine eigenen wiederkehrenden Motive, die durch seine Träume oder/und sein Unterbewusstsein entstanden waren. Im Grunde genommen ist die Bildsprache seltsam, verwirrend und sogar unheimlich, da sie den Betrachter aus seinen beruhigenden Annahmen herausrütteln soll. Die Natur ist jedoch die häufigste Bildsprache: Max Ernst war von Vögeln besessen und hatte ein Vogel-Alter-Ego, Salvador Dalís Werke umfassen oft Ameisen oder Eier, und Joan Miró vertraute stark auf vage biomorphe Bilder.

Aufbauend auf dem Anti-Rationalismus von Dada machten die Surrealisten kraftvolle Kunst und boten eine neue Richtung der Erforschung, wie Max Ernst sagte: “Kreativität ist diese wunderbare Fähigkeit, sich gegenseitig unterscheidende Realitäten zu erfassen und einen Funken aus ihrer Gegenüberstellung zu ziehen.”

Die folgenden Kunstwerke sind die wichtigsten im Surrealismus – sie geben sowohl einen Überblick über die wichtigsten Ideen der Bewegung als auch über die größten Leistungen jedes einzelnen Künstlers im Surrealismus. Vergiss nicht, die Künstlerübersichtsseiten der Künstler zu besuchen, die dich interessieren.

Künstler: Joan Miró

Beschreibung und Analyse des Artworks: Miró schuf in seinen Gemälden kunstvolle, fantastische Räume, die ein hervorragendes Beispiel für den Surrealismus in seiner Abhängigkeit von traumhaften Bildern und der Verwendung von Biomorphismus sind. Biomorphe Formen sind solche, die organischen Wesen ähneln, aber schwer als eine bestimmte Sache zu identifizieren sind; die Formen scheinen sich selbst zu erzeugen, zu morphen und auf der Leinwand zu tanzen. Während im Carnaval d’Arlequin die Suggestion eines glaubwürdigen dreidimensionalen Raumes besteht, sind die verspielten Formen mit einer allumfassenden Qualität arrangiert, die vielen von Mirós Werken während seiner surrealistischen Periode gemeinsam ist und ihn schließlich zu weiterer Abstraktion führen würde. Miró war besonders bekannt für seinen Einsatz automatischer Schreibtechniken bei der Gestaltung seiner Werke, insbesondere Kritzeln oder automatisches Zeichnen, mit denen er viele seiner Gemälde begann. Bekannt ist er vor allem für seine Werke wie dieses, die chaotische, aber unbeschwerte Innenszenen darstellen und seinen Einfluss aus niederländischen Innenräumen des 17. Jahrhunderts ziehen.

Künstler: René Magritte

Beschreibung und Analyse des Artworks: Die ikonischen und rätselhaften Werke von René Magritte sind eher intellektuell und befassen sich oft mit visuellen Wortspielen und dem Verhältnis zwischen der Darstellung von etwas und dem Ding selbst. In The Human Condition sitzt eine Leinwand auf einer Staffelei vor einem vorgehängten Fenster und reproduziert genau die Szene außerhalb des Fensters, die sich hinter der Leinwand befinden würde, so dass das Bild auf der Staffelei gewissermaßen zur Szene wird, nicht nur eine Reproduktion der Landschaft. Es gibt in der Tat keinen Unterschied zwischen den beiden, da beide Fabrikate des Künstlers sind. Der von Surrealisten oft verwendete hyperrealistische Malstil lässt das seltsame Setup traumhaft erscheinen.

Künstler: Yves Tanguy

Beschreibung und Analyse des Artworks: Der wichtigste Moment für Tanguy bei seiner Entscheidung, Maler zu werden, war seine Sicht auf eine Leinwand von Giorgio de Chirico im Jahr 1923 in einem Schaufenster. Im nächsten Jahr zogen Tanguy, der Dichter Jacques Prévert und der Schauspieler und Drehbuchautor Marcel Duhamel in ein Haus, das ein Treffpunkt für die Surrealisten werden sollte, eine Bewegung, die ihn nach der Lektüre der Zeitschrift La Révolution surréaliste interessierte. André Breton begrüßte ihn 1925 in der Gruppe. Tanguy ließ sich von den biomorphen Formen von Jean Arp, Ernst und Miró inspirieren und entwickelte schnell sein eigenes Vokabular an amöbenartigen Formen, die trockene, mysteriöse Umgebungen bevölkern, zweifellos beeinflusst von seinen jungen Reisen nach Argentinien, Brasilien und Tunesien. Trotz seiner mangelnden formalen Ausbildung entstand 1927 Tanguys reifer Stil, der durch verlassene Landschaften geprägt war, die mit fantastischen felsartigen Objekten übersät waren, die mit einem präzisen Illusionismus gemalt wurden. Die Arbeiten haben in der Regel einen bedeckten Himmel mit einer Aussicht, die sich endlos zu erstrecken scheint.

Mama, Papa ist verwundet zeigt Tanguys häufigste Kriegsgegenstand. Das Werk ist in einem hyperrealistischen Stil mit seiner unverwechselbaren, begrenzten Farbpalette gemalt, die beide ein Gefühl von traumhafter Realität erzeugen. Tanguy fand oft die Titel der Werke, während sie psychiatrische Fallbeispiele nach überzeugenden Aussagen von Patienten durchsuchte. Angesichts dessen ist es schwierig zu wissen, ob dieses Werk für seine eigene Familiengeschichte relevant ist, da er behauptete, das Gemälde in seiner Gesamtheit vorgestellt zu haben, bevor er es begann. Sein Bruder wurde im Ersten Weltkrieg getötet, und die Öde der Landschaft kann sich im Allgemeinen auf die Verluste beziehen, die Tausende von französischen Familien im Krieg erlitten haben. De Chiricos Einfluss auf Tanguys Werk zeigt sich hier in der Verwendung von Schlagschatten und einem klassischen Torso in der Landschaft.

 

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