Die Kunst, meine Gedanken und Ich.

Die Ashcan Schule

admin
admin
30. June 201915. July 2019

Die Ashcan School, bekannt für ihre kiesige städtische Thematik, ihre dunkle Palette und ihre gestische Pinselführung, war eine lose zusammengesetzte Gruppe von Künstlern aus New York City, die von dem Maler Robert Henri inspiriert wurden. Die Gruppe glaubte an die Würdigkeit des Lebens von Einwanderern und Arbeitern als künstlerisches Thema und an eine Kunst, die eher das reale als ein elitäres Ideal darstellte. Während ihr Thema revolutionär war, findet ihre Malweise Vorläufer im Realismus der spanischen und niederländischen Kunst des 17. Jahrhunderts und auch in der französischen Malerei des 19. Jahrhunderts. In den Vereinigten Staaten, vor der Ankunft der Ashcan School, herrschte der amerikanische Impressionismus mit seinen angenehmen und üppigen Darstellungen der weiblichen und friedlichen Idyllen. Nach der Ashcan-Schule konzentrierten sich immer mehr Künstler auf die Moderne und ihre eigenen expressiven Reaktionen auf das, was ihnen begegnet war. Ihre wichtigste Errungenschaft war es, die Formel der früheren New Yorker Maler umzukehren, indem sie sich auf die dynamische Energie der Menschen konzentrierten. Doch mit der Ankunft der europäischen Moderne in New York über die Armory Show (1913) war die Ashcan School im Vergleich dazu rückläufig.

Wichtige Ideen

Henri und die anderen Maler verfolgten die Authentizität in der Kunst, eine Qualität, die mit direkter Erfahrung, Unmittelbarkeit der Ausführung und einer neuen Betonung der Wahrheit und Gültigkeit des ersten Eindrucks verbunden ist. So entstanden Leinwände, die ein Gefühl der Eile und Lebendigkeit vermitteln, die Arbeiter in New York und eine Befreiung vom Bedürfnis des Künstlers, Schönheit aus dem Außergewöhnlichen zu machen.

Die Moderne brachte einen neuen Sinn für das Visuelle mit sich. Die Künstler der Ashcan School interessierten sich für neue Formen des Sehens und Sehens im modernen New York City: Menschen, die in Parks, Prostituierten auf der Straße, Kunstlichter in Boxarenen und Varietékritiken, einen Film, der in einem Kino projiziert wird, das das Publikum der Arbeiterklasse erhellt, und die große Verbreitung von Bildern durch Fortschritte in Verlagen und Massenmedien.

Die Künstler der Ashcan School lehnten geschicktes, fertiges Zeichnen und die Fähigkeit, das äußere Erscheinungsbild von Menschen und Dingen zu vermitteln, ab und feierten stattdessen die persönliche Vision.

Die skizzenhafte Qualität, der kraftvolle Farbauftrag und das Reportagegefühl der Arbeiten stammen aus der Ausbildung der Künstler als Zeitungsillustratoren, die das Schauspiel der expandierenden modernen Metropole einfangen. Die Künstler suchten nach neuen Formen des Realismus, um die schnellen und großen Veränderungen im städtischen Leben, in der Handelskultur und in den Codes der sozialen Kontakte zu beschreiben.

Anfänge

Um die Jahrhundertwende tauchte eine Gruppe junger Künstler auf, die es sich zur Aufgabe gemacht hatten, die verfeinerten, polnischen und idealistischen amerikanischen Impressionisten herauszufordern, die dann die Kunstszene dominierten. Robert Henri aus Philadelphia war der Leiter der Gruppe, die sich aus John Sloan, Everett Shinn, George Luks und William Glackens zusammensetzte. Doch alle waren urbane Realisten, die Henris Motto “Kunst um des Lebens willen” und nicht “Kunst um der Kunst willen” hielten. Trotz ihrer gemeinsamen wirtschaftlichen und ethnischen Hintergründe näherten sich beide auf einzigartige Weise der urbanen Szene. Henri hatte an der Philadelphia Academy of Fine Art sowie an der Pariser Academie Julian studiert. Er begann, die vier Künstler, die alle Zeitungsillustratoren waren, um 1892 zu betreuen; wir betrachten diese Gruppierung als die erste Generation von Malern der Ashcan School. Die zweite Generation begann mit Henris Umzug nach Manhattan und der Aufnahme seines New Yorker Studenten George Bellows.

Wichtige Künstler und Künstler der Ashcan School

Die folgenden Kunstwerke sind die wichtigsten in der Ashcan School – sie geben sowohl einen Überblick über die wichtigsten Ideen der Bewegung als auch die größten Erfolge der einzelnen Künstler in der Ashcan School.

Künstler: Robert Henri

Beschreibung und Analyse des Artworks: Willie Gee, ein afroamerikanischer Junge im zarten Alter, sitzt mit einem Apfel in der Hand und trägt zerknitterte Kleidung. Der Künstler bemerkte in seinen Tagesbüchern, dass Gee der Sohn einer Frau war, die in Virginia Sklavin gewesen war und kürzlich nach Norden gezogen war. Der unscheinbare, schroffe Hintergrund von Braun und Grau bietet wenig Kommentar oder Details darüber, wer Gee eigentlich ist und macht den kleinen Jungen in seiner Einfachheit so bescheiden. Henris flüssige Pinselführung, die am deutlichsten an Gee’s Mantelarm und weißem Kragen zu erkennen ist, soll die Aktivität und Bewegung suggerieren, die man normalerweise mit kleinen Kindern verbindet. Traditionell waren die Gönner der Kinderporträts finanzstarke Personen, die versuchten, ihre bemerkenswerte Linie zu feiern oder sich an verstorbene Kinder zu erinnern. Es gab in diesem Fall keinen wohlhabenden Gönner, und Willie Gee war nur ein Nachbarschaftskind der Arbeiterklasse, das den Künstler ansprach. Henri und seine Anhänger wagten sich selten in die afroamerikanischen Viertel New Yorks und konzentrierten sich stattdessen auf die eingewanderten Bewohner von Lower Manhattan. Hier bricht Henri von den dominanten Stereotypen der Afroamerikaner, die damals in der visuellen Kultur zu finden waren.

Künstler: William Glackens

Beschreibung und Analyse des Artworks: Auf Mouquin’s Überresten befindet sich Glackens’ berühmtestes und großartiges Gemälde. Im Vordergrund führt die modische Oberbekleidung, die über die Rückenlehne eines Stuhls geschlungen wird, den Blick in die Mitte des Bildes, wo Glackens Freunde als elegante New Yorker in der Stadt posierte. Die Raffinesse und der psychologische Gehalt des Werkes im Gesicht der Frau veranlassten die Kritiker, Glackens mit Édouard Manet zu vergleichen. Der geschickte Einsatz von Spiegeln zur Nachbildung und Erweiterung der Spezialebene erinnert an Manets Meisterwerk The Bar at the Folies Bergere (1881-82). Als junger Mann in Paris folgte Glackens Henris Anweisung, Werke von Manet zu suchen. Hier richtet Glackens seine Aufmerksamkeit auf neue soziale Räume, wie dieses ausgefallene Restaurant, und neue soziale Beziehungen, die innere Zustände offenbaren (dies war die Ära von Freuds ersten Publikationen zur menschlichen Psychologie). Wir blicken auf das Gesicht der Frau, das sich von ihrem jubelnden Partner abwendet und melancholisch, wenn nicht gar müde wirkt, wenn sie von der Leinwand blickt. Da ihr Gesicht das vorwärts gerichteteste in der Komposition ist, verbinden wir uns am meisten mit dieser Frau und ihrer scheinbaren Isolation.

News