Der Biomorphismus

30. June 2019 at 10:32
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Inmitten eines gesellschaftlichen Kater aus dem Ersten Weltkrieg gingen viele europäische Künstler nach innen, um das zu gewinnen, was darunter liegt. Viele nahmen am aufkeimenden Interesse an der Psychologie und den Naturwissenschaften teil und fanden Inspiration sowohl in den unsichtbaren Zeichen und Symbolen, die aus dem Unterbewusstsein sprudelten, als auch in den sichtbaren inneren Zellstrukturen und Lebensformen, aus denen der Körper besteht. Mit tief mit Dada und Surrealismus verbundenen Wurzeln entstand ein intuitiver Ausdrucksmodus, der den “Biomorphismus” prägte, in dem die Elemente eines Kunstwerks nach natürlichen Mustern, biologischen Formen und Formen modelliert wurden. Diese fließende Art, Kunst aus Emotionen und der daraus resultierenden kurvilinearen Ästhetik zu erschaffen, infiltrierte alle Teile der Gesellschaft, von der Malerei und Skulptur über das Kunstgewerbe bis hin zum Innenausbau.

Nicht großgeschrieben, wurde der Begriff “biomorph” für frühere kunsthistorische Behandlungen verwendet, wie z.B. das gemeinsame dekorative Motiv des Rokoko, das an Muscheln und Akanthusblätter erinnert, oder die Serpentinenarabesken des Jugendstils, aber auch die Motive der islamischen Kunst, die an Pflanzenformen erinnern. Es wird auch auf organisch anmutende Formen angewendet, die in verschiedenen nachfolgenden Kunstrichtungen verwendet werden.

Wichtige Ideen

Der Biomorphismus bot sich perfekt für den surrealistischen Impuls an, das innere Unbewusste durch automatische, bewusste Kunst darzustellen. Auch bei der Skulptur trug die Praxis des direkten Schnitzens und der Verwendung von Maserung, Textur und Dichte des Materials zur energetischen Gestaltung des Kunstwerks das Zeichen des Automatismus. Indem er dem Kunstmedium und dem Material erlaubte, einen intuitiven Ausdrucksfluss zu steuern, brachte der Künstler eine Verbindung zwischen dem Betrachter und seinem eigenen inneren Geist hervor – eine künstlerische Brücke zwischen dem menschlichen Unterbewusstsein und der Realität.

Viele biomorphe Formen wurden als abstrahierte Ableitungen der Realität angesehen, die sowohl leicht erkennbar als auch nicht gleichzeitig identifizierbar waren. Ein gemeinsames Motiv, das dieses Verhältnis von Vertrautheit und Ambiguität betonte, war die visuelle Übereinstimmung zwischen dem menschlichen Körper und der Naturlandschaft.

Um biomorphe Bilder und Texturen zu erzeugen, verwendeten Künstler eine Reihe innovativer Maltechniken, darunter Dekalkomanie, bei der ein Stück Glas oder Papier über eine bemalte Oberfläche gelegt und dann entfernt wurde; Gitter, bei der ein Objekt unter Papier gelegt und dann übermalt wurde; und Frottage, bei der Papier über ein Objekt gelegt und dann mit Holzkohle gerieben wurde, um einen Abdruck zu erzeugen.

Viele biomorphe Künstler glaubten, dass der intuitive Prozess der organischen Abstraktion in der Kunst ein wesentliches Mittel sei, über das man zu den großen elementaren Wahrheiten der Existenz gelangen, ihre eigenen spirituellen Bestrebungen stärken und Visionen und Botschaften über die Zukunft enthüllen könne.

Der Surrealist Joan Miró sagte: “Ich beabsichtige, alles zu zerstören, was in der Malerei existiert. Ich habe völlige Verachtung für die Malerei.” In den 1960er Jahren hatte Miró tatsächlich die Leinwand überwunden und sich in die Skulptur begeben und seltsame, komische Figuren geschaffen, die er “Persönlichkeiten” nannte, während er durch den Biomorphismus versuchte, die Menschheit durch seine dreidimensionalen, phantasmagorischen Welten zu reflektieren.

Die folgenden Kunstwerke sind die wichtigsten im Biomorphismus – sie geben sowohl einen Überblick über die wichtigsten Ideen der Bewegung als auch die größten Erfolge der einzelnen Künstler im Biomorphismus. Vergiss nicht, die Künstlerübersichtsseiten der Künstler zu besuchen, die dich interessieren.

Künstler: Joan Miró

Beschreibung und Analyse des Artworks: Jeder Bereich dieses festlichen Bildraums ist von lebendigen und quixotischen Biomorphen bewohnt, von denen einige identifizierbar sind und gleichzeitig ungegenständlich sind wie die kleine “Katze” unten rechts, die auf ihren Hinterbeinen steht und sich mit ausgestreckten “Armen” nach vorne lehnt. Die Gegenüberstellung von wahren Ähnlichkeiten, die hervorgerufen werden, und denen, die unwahrscheinlich rekonfiguriert werden, schafft ein Gefühl einer imaginären Welt, die ihrerseits durch die grüne Kugel in der Mitte rechts in der Mitte hervorgerufen wird, die von Traumwesen bevölkert wird. Der Harlekin des Titels steht in der Mitte links, erkennbar als Stockfigur in der italienischen Commedia dell’arte durch die schwarz-weißen Karos auf seinem “Torso”. Sein Körper ist wie eine verzerrte Gitarre geformt, denn mit einem Admiralshut, einer Pfeife und einem langen, wirbelnden Schnurrbart wird sein launisches Aussehen durch seine Traurigkeit verleugnet. Sein rot-blaues Gesicht starrt den Betrachter an, während ein Loch im Bauch vielleicht den eigenen Hunger des Künstlers widerspiegelt, wie er beschrieb, wie er nach einem Tag ohne Essen nach Hause kam und das Bild in einer Art automatischer Trance schuf.

Das Werk, das Mirós biomorphen Ansatz prägte, war seine erste wirklich surrealistische Malerei. Die biomorphen Formen luden symbolische Bedeutung ein, wie Miró erklärte, dass die grüne Kugel seine Besessenheit von der “Eroberung der Welt” darstellte, oder dass das schwarze Dreieck den Eiffelturm symbolisierte, während die Leiter mit ihrem Ohr und Auge sowohl Umgehung als auch Erhebung darstellte. Doch die Formen, die sich verschmelzen und verschmelzen wie zusammenschließende Protozoen, die von einem Mikroskop gesehen werden, stürzen die Hierarchien der bewussten Welt, auch die der Kunst. Der Betrachter wird in das Staunen der schwebenden Hand, der seltsamen krausen Kreaturen und der Sternschnuppen hineingezogen. Wie der Künstler sagte: “Ich interessiere mich nur für anonyme Kunst, die Art, die aus dem kollektiven Unbewussten kommt.”

Der Harlekin, ein Charakter, der als töricht und immer unglücklich in der Liebe bekannt ist, wurde bereits im Rokoko zu einem beliebten Vertreter von Künstlern. Es wurde in Antoine Watteau’s Harlekin, Kaiser auf dem Mond (1707), gesehen und wurde oft von Picasso eingesetzt, wie in seinem Harlekin mit Glas (1905).

Künstler: Yves Tanguy

Beschreibung und Analyse des Artworks: In einer riesigen Landschaft erhellt eine Art unheimliches Licht einen haarigen Stängel, der sich rechts nach oben zu einer dunklen, geronnenen Form erstreckt. Oben links, entlang eines dunklen Horizonts, befindet sich eine kaktusartige Form in einer Art Katzenwiege aus Spinnweben, die sich in den Vordergrund erstrecken. Kleine biomorphe Formen, die starke Schatten werfen, stehen auf dem bleichen Sand. Ein mysteriös bedrohliches Gefühl entsteht, wenn Assoziationen hervorgerufen werden, während man sich der Identifikation entzieht.

Um das Werk zu schaffen, malte der Künstler zuerst den Hintergrund, bevor er seine einzigartigen Kreaturen hinzufügte, die mikroskopischen Tieren, knochenähnlichen Formen, Pflanzenformen und geschmolzenem Stein ähneln. Andre Breton nannte sie “Subjekt-Objekte”, da sie beide Objekte der Kontemplation, aber Subjekte mit Handlung sind.

Der Kunsthistoriker James Thrall Soby schrieb: “Das Bild veranschaulicht mit außerordentlicher Schärfe eine relative Konstante von Tanguys Technik: die doppelte Manipulation der Perspektive, von weit bis nah und von hoch bis tief… vielleicht hat kein anderer moderner Maler einen Gegensatz zwischen diesen beiden Dimensionen so beharrlich dramatisiert. Die Faszination… ergibt sich zum Teil aus der mehrdeutigen Platzierung von Formen im vertikalen Raum, als ob… die Schwerkraft ihren Halt verloren hätte und ein chimärisches Medley über der ruhigen Erde freigesetzt hätte.”

Diese Arbeit wurde in Tanguys erster Einzelausstellung in der Galerie Surréaliste ausgestellt, wo Breton in dem Katalog schrieb, dass Tanguy “uns heute eingeladen hat, ihn an einem Ort zu treffen, den er wirklich entdeckt hat…. Es gibt keine Landschaften. Es gibt nicht einmal einen Horizont. Es gibt nur aus physischer Sicht unseren immensen Verdacht, der alles umgibt.” Bretonisch beschrieb auch die Ursprünge des Titels: “Ich erinnere mich, dass ich einen ganzen Nachmittag mit ihm verbracht habe…. auf der Suche nach Aussagen von Patienten, die als Titel für Gemälde verwendet werden könnten, durch Bücher über Psychiatrie blätterte. Das Bild…. Mama, Papa ist verwundet! ist eine von ihnen.” Der Titel verstärkt nur die Mehrdeutigkeit dessen, was die Kunsthistorikerin Nathalia Brodskaïa als “Die Leere der endlosen Ebene, die bedrohliche Wolke aus schwarzem Rauch, die sich über uns bewegt, die einsame, stachelige Pflanze und die verlassenen, hilflosen Kreatur-Objekte erwecken ein Gefühl der akuten Angst” beschrieb.

Tanguy wurde durch solche Werke bekannt, und er beeinflusste seine Zeitgenossen wie Arp, Salvador Dali und Isamu Noguchi sowie spätere Surrealisten wie Roberto Matta, Esteban Francés und Wolfgang Paalen. Seine Entwicklung der automatischen Malerei beeinflusste auch Mark Rothko und Jackson Pollock. Carl Jung, dessen psychologische Theorien den Surrealismus beeinflussten, veranschaulichte später mit einem von Tanguys Werken sein Konzept des kollektiven Unbewussten.

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