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Abstrakter Expressionismus

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30. June 201915. July 2019

“Abstrakter Expressionismus” war nie ein ideales Label für die Bewegung, die sich in den 1940er und 1950er Jahren in New York entwickelte. Es sollte irgendwie nicht nur das Werk von Malern umfassen, die ihre Gemälde mit Farbfeldern und abstrakten Formen füllten, sondern auch diejenigen, die ihre Gemälde mit einem kraftvollen gestischen Expressionismus angriffen. Der Abstrakte Expressionismus ist für eine Gruppe von Künstlern, die viel gemeinsam haben, zum meist akzeptierten Begriff geworden. Alle waren der Kunst als Ausdruck des Selbst verpflichtet, geboren aus tiefen Emotionen und universellen Themen, und die meisten waren geprägt vom Erbe des Surrealismus, einer Bewegung, die sie in einen neuen Stil übersetzten, der der Nachkriegsstimmung von Angst und Trauma entsprach. In ihrem Erfolg raubten die New Yorker Maler Paris seinen Mantel als Führer der modernen Kunst und schufen die Voraussetzungen für die Dominanz Amerikas in der internationalen Kunstwelt.

Wichtige Ideen

Die politische Instabilität in Europa in den 1930er Jahren brachte mehrere führende Surrealisten nach New York, und viele der Abstrakten Expressionisten waren zutiefst beeinflusst von der Konzentration des Surrealismus auf die Förderung des Unbewussten. Es förderte ihr Interesse an Mythos und archetypischen Symbolen und prägte ihr Verständnis von Malerei selbst als Kampf zwischen Selbstdarstellung und dem Chaos des Unterbewusstseins.

Die meisten Künstler, die mit dem Abstrakten Expressionismus in Verbindung gebracht werden, reifen in den 1930er Jahren. Sie wurden von der linken Politik der Ära beeinflusst und schätzten eine Kunst, die auf persönlicher Erfahrung beruht. Nur wenige würden ihre früheren radikalen politischen Ansichten beibehalten, aber viele nahmen weiterhin die Haltung offener Avantgardisten ein.

Als Künstler in einer Zeit gereift, in der Amerika wirtschaftlich litt und sich kulturell isoliert und provinziell fühlte, wurden die Abstrakten Expressionisten später als die erste authentisch amerikanische Avantgarde begrüßt. Ihre Kunst wurde dafür plädiert, nachdrücklich amerikanisch im Geiste zu sein – monumental im Maßstab, romantisch in der Stimmung und ausdrucksstark von einer rauen individuellen Freiheit.

Obwohl die Bewegung in der historischen Dokumentation weitgehend als eine des malerisch geprägten, heroischen Künstlers dargestellt wurde, gab es mehrere bedeutende weibliche Abstrakte Expressionisten, die in den 1940er und 1950er Jahren aus New York und San Francisco hervorgegangen sind und heute als elementare Mitglieder des Kanons anerkannt werden.
Jackson Pollocks Konvergenz (1952) war auf der US-Briefmarke 2010 abgebildet.

1943 beauftragte die renommierte Kunstsammlerin und Galeristin Peggy Guggenheim Jackson Pollock mit der Bemalung eines Wandbildes für ihr Appartementvestibül. Obwohl Mural (1943) der erste Auftrag und die erste großformatige Arbeit für den damals unbekannten Künstler war, zögerte er monatelang und beendete sie angeblich in der Nachtsitzung kurz vor Guggenheims Deadline. Das Gemälde begann seine Karriere als führender Künstler des damals entstehenden Abstrakten Expressionismus, und die Geschichte seiner Entstehung wurde Teil seiner Legende und seines Mythos.

Die folgenden Kunstwerke sind die wichtigsten im Abstrakten Expressionismus – sie geben sowohl einen Überblick über die wichtigsten Ideen der Bewegung als auch die größten Leistungen jedes einzelnen Künstlers im Abstrakten Expressionismus. Vergiss nicht, die Künstlerübersichtsseiten der Künstler zu besuchen, die dich interessieren.

Künstler: Clyfford Still

Beschreibung und Analyse des Artworks: In den frühen 1940er Jahren war Clyfford Still, wie viele andere Künstler seiner Zeit, in erster Linie ein gegenständlicher Maler, der stimmungsvolle dunkle Szenen in dunklen Farben hervorrief. Mitte der 1940er Jahre begann sich sein Werk zu verändern, mit dem Erscheinen von Strichen und Zacken von farbigen Linien auf seinen Bildern. Dies markierte seinen eigenen Übergang zum Abstrakten Expressionismus als gegenstandsloser Maler, der daran interessiert war, verschiedene Farben und Oberflächen in verschiedenen Formationen einander gegenüberzustellen.

Obwohl bekannt als einer der bekanntesten Farbfeldmaler, unterschieden sich Still’s heiße Ausbrüche und knisternde Linien von lebhaften Tönen, die Tränen und Wunden hervorrufen, von Rothkos vereinfachten Farbwaschungen oder Newmans dünnen Linien. Dies ist 1957-D-No. 1 zu sehen, ein großes Werk, das an natürliche Formen und Phänomene erinnert, die an Höhlenstalagmiten, Höhlen und andere mysteriöse Elemente erinnern, die direkt unter der Oberfläche unserer alltäglichen bewussten Wahrnehmung liegen. Die Beziehungen innerhalb der kompositorischen Zutaten von Still, von Vordergrund und Hintergrund, erinnern an den Tanz des Lebens zwischen Licht und Dunkelheit – etwas, das Still gerne ausdrückte, ein selbstbeschriebenes “Leben und Tod, das in ängstlicher Vereinigung verschmilzt”.

Künstler: Jackson Pollock

Beschreibung und Analyse des Artworks: Das Stück ist exemplarisch für Pollocks berühmte “Tropfen”-Werke, in denen Farbe vom Künstler extrem physisch von oben auf eine auf dem Boden liegende Leinwand gegossen, gespritzt und aufgetragen wurde. Dieser Prozess des Ausdrucks einer inneren emotionalen Turbulenz durch Geste, Linie, Textur und Komposition stellte für Pollock einen Durchbruch in seiner Karriere dar und trug dazu bei, die New York School of Painters auf die Landkarte zu bringen. Diese Bilder wurden zum Anstoß für Rosenbergs Prägung des Begriffs Action Painting. Und diese unwahrscheinliche Kombination von Zufall und Kontrolle wurde gleichbedeutend mit der Entwicklung des Abstrakten Expressionismus.

Künstler: Willem de Kooning

Beschreibung und Analyse des Artworks: Die Grabung ist eines der bekanntesten Werke von Willem de Kooning und eine wahre Darstellung seines abstrakten expressionistischen Stils. Darin sehen wir eine Vielzahl von skizzierten Formen, die Abstraktionen bekannter Formen direkt am Rande der Erkennung sind: Fische, Vögel, Kiefer, Augen und Zähne. De Kooning hat über seine Arbeit gesagt: “Ich male so, weil ich immer mehr Dinge hineinstecken kann – Drama, Wut, Schmerz, Liebe, eine Figur, ein Pferd, meine Vorstellungen vom Raum.” Nach diesem rasanten Haufen von Bildern würde de Kooning dann, mit unterschriftsmäßigem Chaos und Überlegung, Farbe entfernen, kratzen und hinzufügen, bis er herausfand, was er wollte. Das resultierende Stück präsentierte eine wahre Ausgrabung des Geistes und der Bewegungen des Künstlers im Moment.

De Kooning bleibt einer der einflussreichsten gestischen “Actionpainter”, der oft mit breiten Pinselstrichen und in hellen, pastellfarbenen Paletten arbeitete. Er suchte die Authentizität der Erfahrung, nicht nur bei der Herstellung seiner Bilder, sondern auch bei der Darstellung der Erfahrung auf der Leinwand.

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